A Dora Ramírez, el arte le brota por naturaleza.  Su vida plena transcurre entre la pintura, el tango y la literatura que envolvió a su familia.

 Sergio Esteban Vélez con Dora Ramírez, su hija Dora Luz Echeverría Ramírez
  y sus nietas Valeria y María José Mejia Echeverría

SERGIO ESTEBAN VÉLEZ

El Mundo, 12 de diciembre de 2008

A pesar de que ya es bisabuela, Dora Ramírez tiene energía y alientos de sobra.  Baila tango todos los días y esta pasión dancística la ha llevado, en el último decenio, a representar al país en importantes auditorios de Suramérica, España y los Estados Unidos. 

Después de triunfar como pintora y ya cuando era considerada como una de las máximas mujeres del Arte Colombiano, se le dio por dejarse llevar por el encanto arrollador del tango, y, contrario a lo que algunos habrían podido esperar, se ha lucido en la realización de su nueva vocación.

Ella no se llama a sí misma pintora ni bailarina: se siente simplemente “artista” y tiene claro que, justamente, estar cerca del Arte, en cualquiera de sus representaciones, es su secreto de la “perenne vitalidad”.  “Eternas ganas de vivir”, como señaló, en el pasado mes de mayo, su amiga Fanny Mikey, en el Teatro Pablo Tobón Uribe, luego de que Dora desarrollara una improvisación tanguística, en el marco de su espectáculo “Perfume de Arrabal y Tango”.

Su obra es apreciada como pionera del Pop Art en nuestro país.  Acerca de la calidad de sus producciones, podríamos citar al famoso crítico cubano José Gómez Sicre, quien, cuando llevó su obra a exponer en el museo de la OEA, en Washington, escribió sobre ella que: “La obra de Dora Ramírez es un homenaje al vivir.  Es luz, afirmación, es alegría.  Nada hay que lleve a la descripción de anécdotas ni a consagrar situaciones sentimentales.  Es pintura por sí, porque sí.  Plana, de tonos crudos y bordes afilados, no pretende engaños visuales ni se propone trascender en busca de filosofías.  De ahí su claridad y su franqueza; esa aspiración a lo llano y a la verdad, hace que se asocie con lo primitivo, sin ser primitiva.  No está empeñada en la descripción de la realidad por sí misma.  En cambio, la usa, con veracidad y destreza técnica, para extraerle brillantez y para darle un impulso agigantador, un hálito de monumentalidad.  Con estos elementos se hace la buena pintura y en ello está comprometida”.

¿Cómo fue el proceso para que en su obra pictórica se conjugaran esquemas de tradición artística con otros, de extrema novedad en su tiempo, como los del Pop Art?

Lo del Pop Art es como una casualidad, no fue algo que yo me hubiera propuesto, sino como una coincidencia en un momento histórico en que mi obra coincidió con los movimientos artísticos de otros países.

A través de su famosa serie de los “Mitos”, ¿ha pretendido, realmente, ensalzar a estas luminarias o ha sido su intención, como los artistas del Pop Norteamericano, hacer una denuncia al consumismo y a la superficialidad?

Esa denuncia la mantengo yo muy viva, pero nunca me he propuesto transmitirla en mi obra plástica.  Mi intención ha sido, más bien, exaltar mi admiración por los personajes artísticos o políticos que he pintado.

Usted, cuando prevé pintar un retrato, realiza una investigación de la vida del personaje. ¿Ha pretendido, por medio de su particularidad colorido, mostrar la esencia misma de estos individuos?

Sí.  Estudio mucho.  Cuando pinté a Manuela Sáenz, me leí todas sus biografías.  Lo mismo pasó con Bolívar.  Y para sorpresa mía, cada biografía presentaba una verdad distinta, pero uno va sacando su propia conclusión de esa mezcla de criterios, anécdotas y calumnias y uno llega a encontrar su propia visión del personaje y eso es lo que se prosigue a transmitir en el retrato.

¿Por qué en su obra las caras siempre son blancas? 

Es para tratar de llegar al alma de la persona.  Si uno empieza a poner sombras y rosados... se pierde cierta cosa espiritual, llegar al alma de la persona, que es a lo que yo pretendo llegar cuando pinto un retrato

¿Cree que en Colombia se desarrolló un verdadero Pop Art?

Para mí lo verdadero es, como dice la palabra, lo que va ajustado a la verdad.  Entonces, para ser un verdadero Pop Art, tiene que partir de que sea como el fermento de la cultura en la que uno nació y en la que uno vive.  En ese sentido, no sé cuántos artistas puede haber, correspondiendo a esa verdad.  Pero me parece que Juan Camilo Uribe podría ser un ejemplo.

En este 2008, centenario del nacimiento de Débora Arango, hablemos un poco de lo que representó para usted la larga amistad que ustedes mantuvieron, a lo largo de decenios, y del papel trascendental que usted desarrolló en la tarea de “desempolvar” la obra de esta importante artista…

Nuestra amistad fue importantísima.  Fue una relación de admiración.  Yo estaba en el colegio cuando en el periódico reprodujeron su “Madona del silencio”, que es una virgen que reprodujimos, hace poco, en la Estación Envigado.  Y yo dije: “Qué pintora tan aventada: pintar una Virgen a la que se le ven las piernas!”.  Me parecía una cosa muy extraña, pero la Virgen, al mismo tiempo, era muy pura.  Era como una campesina, con una túnica blanca, de manga “sisa”, con el Niño en el regazo, como dentro de un campo de vidrios rojos... Todavía lo tengo en la mente… 

Y así fue como yo empecé a admirar a Débora y me dieron ganas de conocerla, porque era una pintora con gran fuerza y muy original.  Entonces, empecé a tratarla y llegamos a ser muy buenas amigas.  Con los años, yo llevaba a mis alumnos donde ella y a toda la gente que estaba relacionada con el Arte, como Ravinovitch, Eduardo Serrano, Alberto Sierra, pues yo creía que debían conocer esa obra, que es tan importante, y disfrutaba mucho de que esa obra llegara al público. 

Con Darío Ruiz y Darío Restrepo, le organicé a Débora su famosa exposición en la Biblioteca Pública Piloto, después de que ella llevaba más de 20 años sin pintar.  La habían criticado y aporreado mucho y ella estaba arrinconada pintando a su papá, que quedó en silla de ruedas. Llevaba mucho tiempo sin pintar en serio: solamente haciendo artesanías y cosas de madera y cerámica, que, por ser hechas por un artista, también eran Arte. 

Para esa exposición, me tocó escoger cien obras, y fue un éxito. Toda la gente joven que no sabía quién era ella despertó, y ella volvió a trabajar y empezó a hacer unas acuarelas muy lindas y se fue para la Costa con su sobrina (Cecilia) y empezó a trabajar, después de tantos años alejada de la pintura.

Su yerno Manuel Mejía Vallejo escribió la novela “Aire de Tango”, llevada a escena por su hija, sus nietas y usted, y que han presentado en varios países.  Usted se ha hecho famosa por su obra “Homenaje a Gardel”, que ha sido tomada como modelo para el telón de boca del Teatro Pablo Tobón Uribe, de Medellín.  En su casa, todos bailan tango.  Usted baila tango más de una hora diaria y ha sido invitada, por el Banco Interamericano de Desarrollo, a bailar tango, en los Estados Unidos. ¿Cuáles son, para usted, los colores del tango?

Empecemos por el rojo, que es pasión, que es vida, energía, como la fuente del movimiento.  Ese es uno de mis colores favoritos y creo que expresa mucho del sentir del Tango, de esa cosa melancólica, pero vital y alegre, al mismo tiempo.  Sí, el rojo sería el primer color del tango.

¿Qué decía su yerno, “Manuel” (Mejía Vallejo),  acerca de su obra?

Decía cosas muy buenas.  A él le gustaba mucho la obra mía.  Cuando inauguraron en la Universidad Autónoma la galería con mi nombre, Manuel hizo una presentación muy larga acerca de mí.  Él me conoció mucho, a través de más de cuarenta años que estuvo con nosotros.  Sabía muy bien cómo era yo y cómo era la obra.  Para mí, era muy halagador, porque yo sabía que él era sincero cuando decía que una obra era buena.  El era muy artista y le gustaba mucho dibujar.  Él también era muy admirador de la obra de José, mi hijo.

¿Cuáles de los honores que ha recibido son los que más le han llegado al alma?

Para mí, fue muy importante y muy satisfactorio el que me hubieran comprado una obra, en el Museo de la OEA, en Washington, porque eso es como reconocer que lo que uno hace es Arte.  También haber estado en las bienales y haber salido en la revista Domus, que es de lo mejor del mundo en Arte, dirigida por el crítico francés Pierre Restany.

Explíquenos cómo usted logra ese movimiento en muchas de sus obras, a pesar de usar colores tan planos…

Eso es muy estudiado.  Yo siento una fascinación muy grande por las telas y por todo lo que se mueve...  Poder transmitir eso, en un cuadro, ha sido uno de mis objetivos,  y para lograrlo, el color, que en mi obra es por impulso, por sentir, en este caso sí es muy estudiado,  Trabajo mucho con la Geometría, para dar la sensación de vuelo, porque como yo no me valgo de las sombras, me valgo, entonces, de las formas.

¿Por qué ese juego tan profuso, a lo largo de su carrera, con los colores primarios?

Porque me parece lo más cercano a lo más puro y a la verdad.  Los colores primarios son de donde uno parte para hacer los demás colores, son su base, son como los más puros y, además, son muy acordes con nuestra cultura y con lo que nosotros somos.  En el Arte, uno debe manifestar las raíces de su cultura, y la nuestra es llena de color, de riqueza, de naturalidad, es muy primitiva y la siento en esos colores.

¿Qué decía su amiga Marta Traba acerca de su obra?

De Marta Traba tengo un comentario muy elogioso.  Habla de que yo fui la pionera en Colombia en la estridencia del color.  Para mí fue muy importante y muy estimulante, porque yo a Marta la valoraba mucho, como una persona muy inteligente y muy objetiva y que le hizo mucho bien al Arte en Colombia. 

¿Qué herencia cree que ha dejado su estridente colorido en el de artistas como Maripaz Jaramillo?

No sé.  Eso, más bien, habría que preguntárselo a ellos.  Si me copiaran, sería un homenaje.  Tampoco me he puesto a analizar la obra de los demás.

DORA RAMÍREZ, UNA VIDA DE ARTISTA: 

Dora Ramírez nació en Medellín, en 1923, en el seno de una familia de empresarios y hombres cívicos.  Estudió Artes Plásticas en el Instituto de Bellas Artes, la Universidad de Antioquia y la Universidad Pontificia Bolivariana, de Medellín.

Su obra se ha presentado en más de ochenta exposiciones, entre individuales y colectivas, en importantes salas de París, Nueva York, Washington, Bruselas, Hamburgo, Miami, México, San Juan de Puerto Rico, Curacao, Medellín, Bogotá y Cali, entre otras.  Descuella su exposición individual retrospectiva en la UNESCO, en París.

Fue ganadora, en 1961, del I Premio Dibujo Artes Plásticas, en Medellín, y en 1965, del Premio Nacional de Artes Plásticas “Fabricato”.   Obtuvo también una beca como “artista en residencia”, en Boston Massachussets, en 1980.

Ha dirigido la ejecución de varios murales, en Medellín y ha desarrollado una profusa labor de gestión cultural en su ciudad, a través de cuatro decenios, como miembro de importantes juntas culturales.  Destaca su gestión, en la Junta del Museo de Antioquia, que fue clave para la consecución de la primera gran donación de su amigo Fernando Botero a ese museo.

La sala de exposiciones de la Universidad Autónoma Latinoamericana, de Medellín, lleva el nombre de “Dora Ramírez”.

Ha recibido diversas condecoraciones.  Su obra está presente en numerosos museos y colecciones sobresalientes de Colombia, Estados Unidos y otros países, y ha sido comentada en importantes publicaciones del mundo.

SERGIO ESTEBAN VÉLEZ

El Mundo,  7 de julio de 2008

                               Sergio Esteban Vélez y Maripaz Jaramillo.  Bogotá, 2005

El Arte Colombiano celebra el cumpleaños número sesenta y los cuarenta años de vida artística de la destacada creadora Maripaz Jaramillo.  Ella, contestataria e innovadora, estuvo conversando con EL MUNDO.

María de la Paz Jaramillo, una artista de esas que no necesitan adjetivos para calificar su obra.  Su versatilidad y originalidad le dan una posición muy singular en el panorama del Arte Colombiano, en el que ha descollado como una de las principales figuras del Kitsch y el Pop Art, desde muy joven (25 años de edad), cuando, con sus irreverentes grabados, ganó el primer puesto en el Salón Nacional de Artes Visuales.  A partir de ese momento, nadie podría detener el torrente de sus triunfos, en 4 continentes.

“Nadie ha utilizado el color de una manera más arbitraria ni más agresiva, en el Arte Colombiano”, asegura el crítico Eduardo Serrano.  Para muchos, esa misma fuerza desgarradora de su colorido, que evoca a los Expresionistas Alemanes, es, precisamente, el elemento primordial de su obra, que la hace única y que le ha asegurado ya un lugar en la lista de las grandes mujeres artistas de América Latina.

En estas semanas, se celebran sus sesenta años de edad y el cuadragésimo aniversario de su entrega a las Artes Plásticas (1968, cuando comenzó sus estudios, en la Universidad de los Andes).  

En el marco de estas significativas efemérides, esto fue lo que nos dijo, acerca del trasfondo de su trabajo y de sus consideraciones sobre el Arte de nuestros días.

¿Con sus particulares retratos de grandes personajes, ha pretendido, realmente, ensalzar a estas luminarias o ha sido su intención, como la de los artistas del Pop Norteamericano, hacer una denuncia al consumismo y a la superficialidad?

Tiene un poco de todo, porque yo hago esos retratos porque me parecen interesantes esos personajes y porque pienso que ellos están haciendo algo que suena; así que mi idea no es de burla ni de crítica, sino de ensalzar a esos personajes que están en furor en un momento, porque están haciendo algo muy importante o porque hicieron algo malo.

¿Y ensalza también a los que hicieron algo malo, como en el caso de sus retratos de Simón Trinidad y Mónica Lewinsky?

A ellos los pinto porque están haciendo historia, pero no los ensalzo.

Hablemos del erotismo, como uno de los vectores de su obra, en los últimos 40 años.

Mi trabajo tiene mucho humor y sensualidad, más que erotismo.  El erotismo se lo dejo a otros artistas.

¿Estaría de acuerdo en adjudicar el epíteto de estrafalarios a muchos de sus personajes?

Estrafalarios, no.

Háblenos de la creatividad en la relación forma-color, en su obra.

El color es básico dentro de mi obra, que, cada vez, se vuelve más plana.  El dibujo deja de ser tan importante, contrario a años pasados, como cuando yo trabajaba el grabado. Ese es un gran cambio que yo he hecho, en estos 40 años de trabajo.

Y sus grabados, que la hicieron ganar tantos premios y reconocimientos, tienen el valor especial de la policromía, que implica un proceso tan complejo...

Sí, porque cada plancha tiene su color, entonces es muy complicado.  Así que, cuando yo empecé a pintar y a hacer mis pasteles, me liberé un poco, porque la técnica del grabado me coaccionaba bastante; en cambio, ahora, puedo trabajar más libremente el color.  Yo creo que eso me ha dado mucha respiración.

¿Por qué le interesa más el color que la tercera dimensión?

Me llama muchísimo la atención la escultura y la he trabajado, pero la mayoría de mi trabajo ha sido plano.

Para ser contemporáneo, ¿hay que dejar de pintar?

Parece que, para alguna gente, hay que dejar de pintar y que el lienzo y los pinceles son obsoletos, pero para mí, no.  Yo sigo en mi historia y en mi mundo.  Y, si está pasado de moda, que no creo, ya verán los otros lo que quieran hacer.  Yo creo que todas las experiencias son válidas, pero eso no quiere decir que una experiencia niegue la otra.

Háblenos de la denuncia social en su obra

En mi trabajo, desde el principio, he denunciado muchas cosas, como la prostitución, el manejo de la pareja, los acontecimientos políticos que pasan en nuestro país...  Para mí, el periódico y los noticieros son mi mayor fuente de trabajo.  Le doy mucho tiempo a leer el periódico, como investigación, porque me parece que eso es muy importante.  Y de ahí salen mis denuncias.  Hay otros tipos de trabajo en los que he usado otra forma que es el humor, con la cual también se puede trabajar mucho la denuncia. 

¿Qué piensa del esnobismo en el Arte de nuestros días?

Hay jóvenes que están aportando cosas importantes.  Tal vez, yo nunca haría lo que ellos están haciendo, pero ellos están viviendo una realidad diferente a la que yo viví: una niñez diferente, un estudio diferente...  Y, en cuanto al esnobismo, yo creo que siempre ha existido, pero, finalmente, en la posteridad, será el público quien decida si lo que se hizo era bueno o malo o si  simplemente era un acto esnobista.

¿Qué piensa de la afirmación de Zola, en 1867, de que la muchedumbre que visita los salones de Arte es “pueblo ciego que ríe” y que acaba por aceptar lo que se imponga? 

 Pues eso contradice un poco lo que yo he dicho, porque yo pienso que el público no es ciego, en absoluto.  Creo que el público es muy importante y que es fundamental que la obra le llegue.  

Pero si uno manifiesta su disgusto por una obra que ha sido unánimemente elogiada por los críticos, puede ser tildado de ignorante... como en la historia de “El traje nuevo del Emperador”...

Sí, hay muchas veces en que los curadores y los críticos aceptan unas cosas, y puede que mucha gente siga lo que ellos dicen, pero también hay otros que aceptan es lo que les llega y lo que para ellos es bueno, y eso es muy importante.  Por ejemplo, yo creo que buena parte de la importancia que tiene Fernando Botero es la aceptación que tiene el público con la obra de él, en sus diferentes épocas.  Y puede que muchos críticos digan que él no es bueno o que él es un invento del comercio, pero Fernando Botero le llega al público.  A mí, me parece que él es un ejemplo tajante, pues es un artista que ha trabajado lo que ha querido, se ha metido en muchísimos temas y tiene una gran aceptación en el mundo entero, más allá de los críticos.

¿Qué papel cree que ha jugado la palabra “disciplina”, en el desarrollo de su carrera?

La disciplina, para mí, ha sido importantísima.  Picasso decía que la obra era 10% de creatividad y 90% de trabajo y disciplina. 

Y Picasso también decía: “Si los demás no entienden mi obra, no es de los demás, es mía”.  ¿Usted qué piensa de eso?

Yo no pensaría así, porque creo que, si no les gusta, qué le vamos a hacer y que, si les gusta, es cuestión del público, porque el público es quien decide.  Así, puede que una obra de Teatro sea maravillosa, pero si a la gente no le llega, es terrible.  

Grandes mujeres en el Arte Colombiano...

Débora Arango, Beatriz González, Olga de Amaral... Hay, ahora, además, muchas mujeres jóvenes que están trabajando muy bien y pienso que las mujeres en el mundo del Arte están cogiendo cada vez más fuerza y aceptación.

Usted ha sido una gran colaboradora, en el campo del trabajo cultural, del presidente Álvaro Uribe Vélez...

Yo estuve en un comité del Ministerio de Cultura y en ese comité se trabajó muchísimo para lograr muchas cosas ¡y las logramos! 

Usted, que es tan buena para hacer surgir al exterior el verdadero color de las profundidades de los elementos, ¿De qué color ve a la Colombia de hoy, en el segundo gobierno de Uribe?

Yo estoy muy contenta con el gobierno del Presidente y pienso que nos va a sacar adelante en muchos procesos en que estamos metidos y que son muy complejos.  Yo lo veo con mucho positivismo y con un color muy vibrante.

De 1 a 10, ¿qué calificación le daría a la inversión gubernamental en Cultura, en nuestro país?

Se ha ampliado un poco, porque, por ejemplo, ya está el Fondo del Cine y se ha apoyado el Teatro.  En las Artes Plásticas, se están haciendo los diferentes salones regionales, para después hacer el Salón Nacional.  Es maravillosa la labor que se está haciendo con las bibliotecas, en las diferentes ciudades.  El Festival de Teatro, por ejemplo, es maravilloso, porque le llega a todo el mundo: a los grandes, a los niños, a los intelectuales...  Y esa es una labor titánica de concientizar a la gente de que el Arte es importante para la vida.

UNA CARRERA ACOMPASADA

Nació en Manizales, en 1948.  Estudió Bellas Artes en la Universidad de los Andes, en Bogotá; en la Chelsea School of Art, en Inglaterra, y en los talleres de Heyter, en París, y Camnitzer, en Italia. 

Su obra ha sido exhibida en más de 60 exposiciones individuales y en más de 80 colectivas, en ciudades como París, Nueva York, Londres, Tokio, Nagoya, Madrid, Roma, Oslo, Helsinki, Copenhague, Dublín, Colonia, Mulheim, Bayer (Alemania), Cracovia, El Cairo, Tel Aviv, Beirut, Nueva Delhi, Yakarta (Indonesia), Buenos Aires, San Francisco, México, Monterrey, Sao Paulo, Miami, Bogotá, Caracas, Río de Janeiro, La Habana, Quito, Panamá, San Juan de Puerto Rico, San José de Costa Rica, Maracaibo, Quito, Cuenca (Ecuador) y numerosas ciudades de Colombia.

Entre sus múltiples distinciones, se cuentan el primer premio en el XXV Salón Nacional de Artes Visuales (Bogotá, 1974); la medalla de oro “Intergrafik 76” (Berlín, Alemania, 1976); premio en la Bienal Americana de Grabado (Maracaibo, 1977); el Premio Intergrafik 80 (Berlín, Alemania, 1980); premio, en la Listowel International Print Biennale (Irlanda, 1982); mención (Bienal Americana de Puerto Rico, 1984); Premio de Pintura (Universidad de los Andes, Bogotá) y medalla y premio de adquisición en la Grafik Trionnale Frechen, BRD.

Su obra se encuentra en importantes museos e instituciones culturales de Colombia, Estados Unidos, Francia, Noruega, Irlanda, México, Venezuela, Panamá y Puerto Rico.

La nueva serie de David Manzur

El periodista y el artista entrevistado.  Casa de David Manzur, Mosquera, 2007


SERGIO ESTEBAN VÉLEZ
El Mundo, 12 de mayo de 2008

“Las ciudades oxidadas” es el título que ha dado David Manzur a la nueva etapa de su producción, en la que está trabajando, desde el año 2004.    

Según David Manzur, esta nueva fisonomía de su obra es la que mejor refleja su trasfondo vital existencial y con la que más se identifica.
Barcos oxidados, en ciudades desiertas y abandonadas; potros briosos, bestiales, que se convierten en máquinas, y se funden con figuras humanas sin rasgos definidos, de expresión desesperada y ojos desorbitados... son los objetos centrales del nuevo canto manzuriano. 
Hay también algunas obras, sobrecogedoras, que aluden al genocidio nazi y que tienen fundamento no sólo en la afinidad que siente Manzur con los hijos de la raza de Leví (su abuela paterna era judía-rusa), sino también en los recuerdos de sus años de estadía, durante la II Guerra Mundial, en un internado en Canarias, en el que le tocó tratar con frecuencia con soldados nazis que regalaban chocolates a los niños y, alguna vez, fue retratado, con su grupo escolar, en compañía de
Rommel, el perverso mariscal hitleriano.
“Las líneas de fuga escapan a la geometría y su paleta se abre.  Ya los jinetes no son jinetes, porque sólo una parte se sugiere, para que el espectador complete la figura.  Son los juegos visuales de Manzur, el artista insular, el genio, el oficioso, el inquieto, el diverso, el niño solitario que hoy sabe pintar como ninguno su propia soledad”, escribe sobre este trabajo Margarita Vidal.
Para el planteamiento conceptual de esta nueva serie, Manzur se ha inspirado en las vivencias de su infancia en África y en los recientes viajes que ha hecho a la India y a la Antártida.  Sobre esta travesía al Continente Blanco, de la cual llegó, hace un mes, Manzur se estremece cuando narra que, en la península Antártica, encontró una “ciudad oxidada”, muerta y desabrigada, tal como las que su imaginación ha ido recreando, desde hace años. 
Esa hecatombe de memoria y de recuerdos mezclados y desdibujados es lo que hace que los personajes de tantas de sus obras actuales no tengan rasgos definidos y tengan fisonomías apenas sugeridas.
Gracias al apoyo del CODI de la Universidad de Antioquia, pudimos conversar con este alto representante de la generación de los grandes maestros de la Modernidad en Colombia, en su estudio, en las afueras de Bogotá, en el marco de las actividades del proyecto “El lenguaje expresivo del maestro David Manzur, en sus propias palabras”.

Primero, el Cubismo; después, la Geometría, el Abstraccionismo y el Constructivismo; luego, ese Surrealismo medieval metafísico... Ahora, las “ciudades oxidadas”, que están enfocadas a la explosión de su trasfondo existencial.  ¿De dónde este paso?

Yo siempre le he dado rienda suelta al flash back de la vida.  Una palabra que vengo usando mucho, últimamente, cuando me toca hablar es la de lo que es el trasfondo en un artista.  Todo ser humano tiene un trasfondo que no está en lo que él ejecuta, sino en lo que lo provoca a ejecutar. 
Ese trasfondo no es otra cosa que lo que le pasa al hombre en la vida, pero para no pensar en términos poéticos o sobrenaturales o metafísicos o siquiátricos, simplemente la vida es tan simple como que el calor es parte de ese trasfondo; el frío, la alegría, la tristeza, la soledad, la rabia... todos estos elementos que son aparentemente abstractos van creando una necesidad de expresarlos, en alguna manera, y esto une a poetas,  a músicos, a escritores, si es en el campo de las Artes, pero puede unir a economistas, a políticos, a científicos. 
Es ese motor que impulsa al tipo a buscar y a descubrir.  Si Einstein no tuviera trasfondo, no le habría importado buscar nada...  y llegó hasta la bomba atómica. 

¿Y cómo se traduce su trasfondo en “Las ciudades oxidadas”?

El trasfondo se traduce en manifestaciones, y ahí es cuando yo digo que el trasfondo me ha ido permitiendo empujar imágenes que vienen mezcladas de todo ese retazo de recuerdos de muchos años, que no tienen coherencia unos con otros:  que yo soy un niño que juega en un barco hundido... que hay un concepto abstracto extraño de la luz del sol con la herrumbre del cuadro, tal vez eso tenga que ver todavía con el concepto cromático que tengo en la obra mía, pero me tengo que remontar a Neira, con Hernando Giraldo, cuando hacíamos procesiones, a los cuatro años, ¡y la impresión que me causaban esos santos vestidos enormes, acompañados de música!
Estuve en el África: que los negros, que el kínder, que las monjas...  Luego me mandan a un colegio donde todo era o la iglesia o el hambre, es en tiempo de guerra... No se sabía qué iba a pasar y había días en que no había colegio, porque había un problema y había que bajar al refugio.  ¡Se van acumulando cosas!
El tiempo vuelve pedazos todo eso, y es el paso siguiente que voy a dar. 

                                                  Sergio Esteban Vélez, David Manzur y Belisario Betancur


¿Y cuál fue el momento, después de tantos años de incubación, en el que se decidió a dejar que brotara esta nueva etapa, tan expresionista?

La exposición que hice en la Galería Mundo, en el 2004, en que presenté el último San Sebastián, la llamé el “punto cero”, queriendo decir con ello que hasta ahí llegaba al concepto de la proporción y cierto formalismo en la ejecución, el naturalismo en elementos locales, pero el absurdo en la combinación de los elementos. 
Llegué al punto cero, y el trasfondo sigue siendo ese colchón de retazos tremendo.  Hay un presente siempre, posiblemente una emoción de momento más fuerte, y el presente siempre trata de borrar esos recuerdos, pero no se borran.  Tal vez lo que uno hace es una mínima parte de lo que hay en el cerebro, pero el paso que viene no es otra cosa que, con esos pedazos, construir las nuevas formas. 
Entonces, aparecen esas ciudades oxidadas, esas figuras imposibles, esos recuerdos, mis amigos judíos que murieron en campos de concentración...
No se necesita hacer cambios muy grandes: un San Sebastián evocando esa época renacentista se cambia por cualquiera de esos mártires en los campos de Aushwitz, y sigue siendo un San Sebastián.

¿Y Por qué romper la proporción, en esta etapa de su obra?

Porque se libera uno, y esa libertad es un paso adelante.  A pesar de la edad que tengo, tengo, tal vez, más ganas, más inquietud, más curiosidad, más rebeldía, que cuando tenía veinte años.  

                                                               David Manzur y Sergio Esteban Vélez


¿Cómo definir ese trasegar incesante suyo por estilos tan diversos, hasta, después de tantas exploraciones, llegar a estas “Ciudades oxidadas”?

Uno es el mismo, de todas maneras, pero uno, si analiza todo lo que ha hecho, llega a un punto, sube a otro, baja, explora aquí y allá.  La contemporaneidad sí tiene eso: una informática tan simultánea, que ese cuento del estilo como repetición de un sistema es la mentira más grande que ha habido. 
Empecemos por Picasso: él nunca se comprometió con un estilo.  Todo lo de él lo unifica, pero hay que ver las diferencias de sus propuestas, y lo mismo le pasa a cualquier artista contemporáneo.  Yo no soy ajeno a millones de circunstancias, anímicas y visuales, que hacen que yo tenga la necesidad de expresarme cambiando a cada rato.    A mí, me parece que sería grave que, en homenaje a un estilo, lo que encontrara fuera una especie de fórmula o sistema, para que Manzur fuera una determinada cosa y no se pudiera salir de ahí. 
No.  Yo rompo. Y, en este momento, es impredecible lo que pueda venir.

Siento, además, que, ahora más que nunca, está representando las cosas como son por dentro...

Ojalá lo lograra así, en el sentido de que llegara, no a la dimensión visual, sino a la esencia de todas las circunstancias, que, en cierta manera, serían el fruto de lo que lleva uno por dentro, en el trasfondo.

¿Qué es lo más significativo, en su trabajo actual, en el cambio en el espacio compositivo, los puntos de fuga y la escala de los elementos?

“Las ciudades oxidadas”, por encima de esos detalles técnicos relacionados con la perspectiva, es un concepto de algo que se destruye, y a veces no necesita los apoyos de los elementos básicos de una perspectiva. 
Yo tengo,  por ejemplo, unos dibujos en los que el fondo está limpio, no hay nada, y allí no hay problema... Pero generalmente, cuando hablo de Ciudades Oxidadas son sugerencias de ciudades que se combinan con barcos hundidos, pues a mí se me quedó grabado de por vida, cuando yo jugaba en “El Antoñico”, que era un barco encallado en Guinea Ecuatorial, el color del óxido bañado por la luz del sol de la tarde, que marcaba un efecto tal, que no solamente era visual sino anímico.  Entonces, vienen estas imágenes, y el recuerdo viene a hacer un papel muy importante, fundiendo ideas: ciudades oxidadas con barcos hundidos; colores de óxido iluminados con luz de sol; espuma de mar blanca, contra el azul que golpea contra el óxido... la alegría, la soledad, el sentirme dueño del barco, el miedo a que la marea suba y me coja... Es como si fuera una regresión.  Y eso, justamente, me da trabajo, porque estas condiciones no siempre afloran, y, si no afloran, no las siento...

¿Por qué, en los fondos de “Las ciudades oxidadas”, continúa esa insistencia tuya por pintar las atmósferas crepusculares?

En los últimos cuadros, he buscado unos cielos que se acomodan más a esa imagen que tengo en la mente grabada, de un lugar donde el cielo no tiene crepúsculo, sino que va degradando en luz... algo ambarino o nebuloso, donde todo es oxidado, como en esos talleres de hierro y de chatarras.  Sí, es una necesidad que no sé por qué es.

¿Cómo es eso de que ahora va a incursionar nuevamente en la escultura?

Yo paso a la escultura, sin ningún problema, porque, en el fondo, yo pinto siempre con sentido de volumen, bien sea general, creando perspectiva, o local, cuando el elemento tiene volumen, pero el fondo es plano. 

DESTACADO

“Los primeros ensayos de esta etapa son las apreciaciones del recuerdo de los Campos de Concentración, como respuesta casi subconsciente a cosas de las que vine a enterarme después, porque, cuando era niño y las tenía muy cerca, no las sabía.  Entonces, en este campo de ‘Las ciudades oxidadas’, todo eso existe”.

DESTACADO:

“En ‘Las ciudades oxidadas’, he estado muy consciente de un aspecto que ya nos está preocupando a todos, que es
el deterioro ambiental.  M me impresionó mucho el viaje a la India, porque allá hay ‘Ciudades oxidadas’, pero se me olvidó que aquí están también, tugurios tan tenebrosos como los de la India”.

EL MÁS EXPRESIONISTA DE SUS PERÍODOS

Sobre el naciente trabajo expresionista de Manzur, el crítico Eduardo Serrano afirma que: “Para Manzur, en este momento, a comienzos del siglo XXI, es más pertinente la comprensión y dominio de las enseñanzas de la humanidad, que experimentar con nuevos materiales o buscar innovaciones estilísticas, de la misma manera que es más importante la comunicación de sentimientos y emociones, que la comprobación de proyectos y teorías.  En su trabajo se subraya la gran diferencia que existe entre originalidad e improvisación (y de ahí su señalado interés por el automatismo surrealista), al tiempo que se enfatizan, por una parte, la sensibilidad artística y social, y por otra parte, el ensueño y la memoria, como recursos creativos de insospechado poder”.

En el marco del XI Festival Iberoamericano de Teatro, que se clausura hoy, una de sus mayores impulsoras, la Ministra de Cultura, conversa con EL MUNDO, acerca de sus estrategias y directrices para impulsar las Artes, en Colombia.

                            La ministra de Cultura, Paula Moreno, en compañía de Fanny Mikey y del alcalde de Bogotá, 
                        Samuel Moreno Rojas,durante la inauguración del XI Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá

 

SERGIO ESTEBAN VÉLEZ

Enviado especial

Festival Iberoamericano de  Teatro

Bogotá D. C.

El Mundo, 23  de marzo de 2008

Desde que, en junio del año pasado, Paula Marcela Moreno asumió el timón del Ministerio de Cultura, se previó que habría grandes cambios en los enfoques y proyectos de este alto estamento gubernamental.  Aparte de ser la ministra más joven que asume esta cartera (28 años de edad), es la primera persona afrodescendiente al frente de un ministerio, en nuestro país.   

La notamos entusiasmada con el grueso portafolio de programas que desarrolla el Ministerio.  En cuanto al Festival Iberoamericano de Teatro, la fiesta cultural más grande de Colombia,  su opinión es que este festival es un bien público que genera en los colombianos la ilusión de nuevos mundos posibles. 

Aplaude, como toda nuestra nación, a Fanny Mikey, y le agradece su propósito de enriquecer y "visibilizar" la Cultura, en este país.  Destaca que, gracias a su compromiso y a su constancia, Colombia no sólo se muestra en el Exterior de una manera positiva, sino que logra convocar a cientos de artistas y ciudadanos de todo el mundo, para que disfruten de nuestra diversidad cultural, la mejor carta de presentación  de Colombia.

Del Festival, al cual el Ministerio asigna una significativa partida económica, exalta que, en cada nueva versión, está haciendo mayor énfasis por divulgar también otros campos de la creación, como la Danza, la Música, el Diseño y las Letras.   Dice también que es un festival “Abierto a la gente.  Uno siempre siente que se está perdiendo de algo, cuando no está.  Las mejores obras de las Artes Escénicas del mundo están acá”.

Se siente orgullosa de que el Ministerio hubiese contribuido a que, en esta edición, se lograra una nueva descentralización del Festival, con decenas de presentaciones que han nutrido espiritualmente a miles de espectadores de Chocó, Meta, Bolívar, La Guajira, Tolima, Sucre y algunos lugares en los cuales la población nunca ha estado en contacto con la magia del Teatro.

Ahora, sus energías y sus bríos están encaminadas, muy especialmente, aparte de la dirección de los programas del Ministerio, a las festividades de la gran conmemoración del bicentenario de la Independencia, en 2010.   Esa celebración tendrá el lema de “Una historia con futuro”.

A pesar de la intensa agenda que implica ser una ministra del presidente Uribe, Paula Marcela Moreno sacó tiempo para conversar con EL MUNDO. 

Cuando estudió en Europa, ¿era aficionada al Teatro?

No tanto.  La verdad, en Cambridge, no había tantas opciones para ir a Teatro, y, en Londres, atendí una o dos obras, pero no mucho.

¿Por qué es importante que el Ministerio de Cultura destine una de sus mayores partidas presupuestales al respaldo de iniciativas como el Festival Iberoamericano de Teatro?

Porque la Cultura sensibiliza y ayuda a generar unos proyectos de vida constructivos.  Además, es una oportunidad de traer el mundo a Colombia, pero también de mostrar a Colombia, ante el mundo.

¿Cómo con la Cultura se puede contribuir a crear una conciencia pro paz?

Sensibilizando.  Precisamente, a través del Teatro, la Música, la Danza… el ser humano se sensibiliza en su esencia, se encuentra y se confronta, y a través de ese encuentro, se logra una mejor calidad de vida y una capacidad de superación que le permite encontrarse consigo mismo.

¿Cree que es suficiente el auspicio que dan los entes gubernamentales colombianos a la promoción y protección de las manifestaciones culturales?

Los recursos siempre son escasos, para el nivel de las necesidades, en todo, pero hacemos lo posible por contribuir en lo que podemos.

¿Qué estrategias está craneando y desarrollando el Ministerio, para lograr la cooperación de otros gobiernos y de fundaciones y entidades internacionales, para que, en Colombia, siga creciendo el respaldo a festivales como este de Teatro y a las demás expresiones artísticas?

Nosotros estamos trabajando una estrategia de emprendimiento cultural y este festival de Teatro es el mejor ejemplo, pues se generan unos esquemas de sostenibilidad que ayudan a cofinanciar, si no en su totalidad, por lo menos en gran parte la realización de estos eventos.

¿Qué cree que ha sido lo más especial de esta versión del festival, en la cual se celebran 20 años de su fundación?

Estar en las regiones.  En Bogotá, que es epicentro artístico y cultural, pero, a la vez, en 6 departamentos, que pueden disfrutar de una programación de lujo, gracias, en parte, a la colaboración del Ministerio y de Acción Social.

¿Cómo la nueva Ley del Teatro podrá fomentar que, en Colombia, se acreciente el respaldo a los creadores y trabajadores teatrales?

Eso es un reconocimiento a las Artes Escénicas.  Estamos avanzando en analizar cómo puede ser el fondo que ayude al desarrollo de diferentes escenarios y de creación colectiva.  Estamos en ese proceso. 

¿Cree que la Ley del Teatro está diseñada de forma que pueda dar tan buenos resultados como la Ley del Cine?

Eso aspiramos.  Todo depende, también, del fondo que se genere.

¿Qué piensa de que, además del Festival Iberoamericano de Teatro, en Colombia se esté dando una explosión de fomento a las Artes Escénicas, a través de los festivales internacionales, nacionales, alternativos y comunitarios, las redes de dramaturgos y las escuelas de Actuación y  Dirección?

Abiertos.  Todos los espacios de expresión son bienvenidos.

¿Cómo van las celebraciones y el balance, en los 10 años de la creación del Ministerio?

El año pasado, realizamos una serie de celebraciones, internas y externas, y un proceso de planeación estratégica y de evaluación de lo que está haciendo el Ministerio.   Estamos avanzando en la línea de un ministerio que quiere ser, cada día, más protagonista del desarrollo del país.

¿Cómo se está repartiendo, porcentualmente, el apoyo económico del Ministerio a las manifestaciones culturales, dependiendo de si son folclóricas, de la Alta Cultura tradicional o de la cultura de estudios sociológicos o étnicos?

No podría hablarle de un porcentaje exacto.  Podría darle ese dato, más adelante.  Nosotros tenemos una gran bolsa para eventos culturales, que es el Programa Nacional de Concertación y son 23.000 millones de pesos, este año.

¿El Ministerio ha concebido o respaldado algún proyecto especial para la propulsión del Teatro, en Medellín?

Nosotros tenemos el Plan Nacional para las Artes.  Ya venimos, incluso, trabajando un programa de Itinerancias por Colombia y apoyando a algunos grupos de Teatro, y en eso estamos.

¿Cómo ha sido la relación del Ministerio con la los programas culturales de la Alcaldía de Medellín?

Con la Alcaldía, somos socios, hace un buen tiempo y, en efecto, acompañamos los procesos.  Obviamente, la Alcaldía de Medellín tiene una gran fortaleza en Gestión Cultural y acabamos de estar con el Secretario de Cultura, generando una agenda.

Muchos han dicho que se espera que, bajo su orientación, el Ministerio de Cultura se enfoque a rescatar el acervo patrimonial cultural de nuestras minorías étnicas, que ha sido soslayado e ignorado, por siglos.  ¿Cómo está dando cumplimiento a este propósito?

 Estamos trabajando unas líneas específicas de enfoque diferencial.  En el programa de Estímulos y en el Nacional de Concertación, tenemos unas estrategias y unos programas diferenciales con una focalización regional, que nos va a permitir dar una visibilidad y generar unas acciones afirmativas para los grupos minoritarios.

 EL TIEMPO LE HA RENDIDO

A pesar de su juventud (nació en 1978), el tiempo le ha rendido a esta bogotana.  Es ingeniera industrial de la Universidad Autónoma de Colombia y realizó una maestría, en la Universidad de Cambridge (Inglaterra). Aparte del español, habla fluidamente los idiomas inglés, italiano y francés.

Su trabajo se ha orientado, más que todo, al trabajo comunitario y a investigaciones para organizaciones internacionales e instituciones educativas. Fue consultora de la Organización Panamericana de la Salud y de las Universidades del Pacífico y de Los Andes.  Además, se ha desempeñado como consultora de la Dirección de Étnias del Ministerio del Interior y de Justicia y como consultora de la Asociación de Consejos Comunitarios de Timbiquí y Asomanosnegra.
También laboró en la Fundación Panamericana para el Desarrollo (Fupad), Chemonics International Inc, Fescol, Conferencia de las Naciones Unidas para el Comercio y el Desarrollo (Unctad), en Ginebra (Suiza), la Cámara de Comercio de Bogotá y la Central de Juventudes. 

SERGIO ESTEBAN VÉLEZ

El Mundo, 2 de abril de 2008

Hoy, a las 6:30 PM., en la Biblioteca Pública Piloto, Alfaguara presenta la nueva novela “Lara”, del escritor santandereano Nahum Montt. 

La idea de narrar esta historia, que versa sobre los últimos días del inmolado ministro de Justicia Rodrigo Lara Bonilla, le surgió al escritor Nahum Montt, después de que ganó el Premio Nacional de Novela del IDCT, con “El esquimal y la mariposa”.  En ese entonces, ya tenía esbozada una biografía del personaje, en una primera versión que le parecía muy rígida. Por eso, pensó que era oportuno utilizar las herramientas que da la ficción y tomó la decisión de escribir esta historia en género novelístico.

Siente que con esta obra “le di en el blanco a un hito histórico clave de nuestro país que todavía no hemos logrado exorcizar” y, sobre el impacto del libro en la comunidad, se sorprende muy positivamente, al ver que lleva semanas en la lista de los más vendidos del país, “Nunca pensé que la Literatura diera ganancias económicas”, enfatiza.  Además, recalca que la difusión del libro es muy necesaria, especialmente para los jóvenes, para quienes la figura de Lara se ha ido perdiendo.  “Para ellos, este libro recrea un contexto histórico y unos personajes que fueron muy importantes, en un momento”.

¿Para esta novela, se situó desde el enfoque de escritor, periodista o historiador?

Un poco de las tres.  Hubo un proceso riguroso, de más de 2 años, de rastreo de fuentes, entrevistas e investigación y después, articular toda esa información que había recopilado, que fue muchísima, y comenzar a pensar en un texto.  La historia siempre se ubica en eventos públicos, pero nunca alumbra esas zonas oscuras que son las cotidianidades de los seres humanos y el ser humano como tal. Y la ficción le ayuda a uno a meterse por ahí y a llenar los vacíos de la historia.

Una persona que, por su juventud o por que no sea colombiano, no conozca bien la historia de Colombia, compra esta novela en pos de vislumbrar algo acerca de ese período nuestro tan doloroso, ¿cómo hace para saber, dentro de la novela, qué es ficción y qué es verdad?

A mí me encantó la lectura que le hizo Patricia Lara, que empezó a decirme:  “Esto es carreta, pero esto otro es cierto...”, y yo le respondí: “Esto es cierto, pero es carreta”.  El mismo epígrafe de la novela dice: “Todo es cierto, pero todo es inventado”.  Yo siento que el lector debe evitar caer en esa trampa, en ese dilema, entre si esto es cierto y esto no lo es.  El texto se fundamenta en esa paradoja, y toda paradoja es irreductible.

¿Cuál es la clave para recrear minuciosamente situaciones de momentos históricos y conversaciones que usted jamás podrá saber cómo se dieron realmente?

Mucha imaginación.  Uno se rige por una premisa básica que es verosimilitud, no veracidad.  Uno busca que lo que aparezca ahí resulte convincente.  En esa medida, me costó muchísimo llegar a un tono para que el lector pudiera creer lo que está leyendo.  Cuando comencé a entrar en la dimensión humana de los personajes, empecé a descubrir esas voces, esos diálogos... Evité, por ejemplo, ponerlos mucho a reflexionar.  Esta novela se mueve desde la acción y los personajes siempre se están moviendo y no reflexionando sobre el mundo, sin hacer nada por cambiarlo.

¿Para la elaboración de esta novela histórico – periodística, se dejó influenciar por algún autor en especial, como Talesse, Capote o el mismo García Márquez?

Durante años, dicté la materia de Periodismo y Literatura.  Y te digo que me ha marcado Gay Talesse, especialmente ahora, cuando estuvo aquí y pude sentarme a conversar con él y a plantearle todos mis problemas literarios.

¿A dónde cree que habría llegado Lara Bonilla, si no hubiera sido asesinado?  

Este país sería completamente distinto, porque él nos estaba alertando y tratando de frenar el proceso de inserción del narcotráfico en nuestras cotidianidades, desde lo político y lo empresarial, hasta lo cultural y la misma farándula.  Si él y Galán estuvieran con vida, estaríamos viviendo otra realidad.

Algunos dicen que, si no lo hubieran matado, Lara habría sido un ex ministro más...

No. Él tenía un proyecto político muy serio y toda una concepción sobre Derechos Humanos.  Llegó al Ministerio, justamente, porque había planteado una reforma estructural a la Justicia. Además, había estudiado en París y tenía unas bases muy sólidas.  Si él y Galán estuvieran con vida, estaríamos viviendo otra realidad.

¿Por qué escoge precisamente al director de “El Espectador”, don Guillermo Cano, como personaje de apoyo, en el curso de la novela? 

Es, para mí, el personaje más entrañable que hay en la novela. Y lo descubrí casi por azar.  A través de sus libretas de apuntes, con textos en los que él interpretaba y casi profetizaba sobre lo que estamos viviendo,  empiezo a ver el lado humano de ese personaje: el director cascarrabias de un periódico, hincha de Santa Fé –con esa predisposición natural hacia el fracaso-, el abuelo, el patriarca... Es un personaje que aparece iluminando a Lara.  Si me metiera en otro proyecto histórico, lo haría por el lado de Cano, porque él nos ilustra sobre 50 años de la Histroria de Colombia: recibe “El Espectador”, con las ruinas de “El Bogotazo”; le cierran el períódico, en la dictadura de Rojas; después, se enfrenta con el escándalo del Estatuto de Seguridad de Turbay, que en cierta forma legalizaba las torturas por parte de la Fuerza Pública; despúes denuncia la estafa por parte del Grupo Grancolombiano, y, finalmente, se enfrenta con el narcotráfico.

¿Pudo hablar con su viuda, Ana María Busquets de Cano?

 Hermosísima. Hablé con ella, pero el día del lanzamiento de la novela.  Con el personaje de Cano,  me tomé la libertad, y si me vuelvo a meter con él, tendré que tomar mucha distancia de la familia, para poder ver muchas cosas que ellos vivieron, pero desde el punto de vista del escritor.   

¿Qué les respondería a quienes le dijeran que escribió una hagiografía?

La novela logra trascender esa apología o ese tono rosa de idealizar a los personajes.  Pero, por fin, estamos mirando también la otra orilla, el lado heroico de nuestra historia, porque siempre la figura del antihéroe es la que más vende, como está ocurriendo con Pablo Escobar.  

¿Cómo fue la colaboración de la viuda de Lara, Nancy Restrepo?

Nos reunimos, todos los miércoles, durante un año y medio, y al comienzo, yo llevaba mi grabadora y mi libreta, y eso intimida y hace que el entrevistado asuma un discurso muy desde lo institucional y no permite ver esos intersticios humanos.  Luego, dejé la grabadora y simplemente conversábamos y yo, después, llegaba a mi casa y escribía todo lo que habíamos hablado. 

¿Y la retroalimentación con los hijos de Rodrigo Lara? 

Rodrigo Lara Restrepo (ex Zar Anticorrupción y senador) tenía 7 años, el día que murió su padre, y “habían” (sic) muchos detalels de ese día que él no recordaba.  En la novela aparece que su papá, ese día, estaba profundamente disgustado con él, porque había hecho una pilatuna, en la escuela, pero Rodrigo no recuerda la pilatuna, y ahí es donde entra la ficción.  Con Jorge Lara, conversé, en París, el año ante pasado.  Y Pablo José, el menor, tenía 2 años.  Él se ha pasado la vida recogiendo anécdotas que le cuentan del papá y me comentó que, cuando leyó la novela, se conmovió mucho, porque, el nunca había tenido una imagen unitaria de su padre y, por fin, pudo crearse un horizonte.

Pero un horizonte creado por usted...

 Recreado sí.  Yo siento que con esa memoria que le creé a Pablo José, se justificó el esfuerzo de tantos años de trabajo.

Hablemos un poco acerca de la investigación de algunos personajes importantes en el hecho histórico que usted narra.

Belisario Betancur:

Había un imaginario que decía que a Lara lo habían dejado totalmente solo, y cuando empecé a rastrear quiénes habían estado con él, descubrí, sorprendido, que el presidente Belisario siempre lo respaldó.  Pude consultar con él, en varias ocasiones, en las cuales sentí que el quería mucho a Lara.  Si él le hubiera aceptado la renuncia que le presentó, Lara se habría acabado políticamente.

Alberto santofimio:

No tuve necsidad de consultar con él.  Tampoco me interesó irme hasta la cárcel a buscarlo.  Me basé en fuentes periodísticas, sobre el respaldo que él le dio a Pablo Escobar y sobre cuando lo expulsan del movimiento.

Pablo Escobar:

Muchas fuentes.  Me he vuelto como un especialista en esa década: he leído muchísimo, desde chismes que no pasan de la anécdota trivial, hasta análisis muy sesudos.

¿Habló también con el doctor Enrique Parejo, ministro de Justicia sucesor de Lara?

 Un par de ocasiones, pero sin entrar mucho en materia.  Él toma el testimonio y la obra inconclusa de Lara, pero la novela llega sólo hasta el 30 de abril de 1984, por eso no profundicé mucho en Parejo.

¿Quedó suficiente claridad de la inocencia de Lara, después de las investigaciones disciplinarias que se le hicieron?

Esa estrategia se llama “asesinato de carácter”, y es sembrar en el otro una duda que siempre queda.  Pero con Lara, eso se aclaró.  Él sí recibió plata de la mafia, pero le entró fue por el lado de la ferretería.  Le hicieron una compra y giraron el cheque a nombre de él...   En esa época, hubo todo un debate alrededor de unos ingresos a una campaña política (la de Alfonso López, en 1982), y se hablaba de 36 millones.  Y esa campaña no negó que le hubiera entrado esa plata, y su argumentó fue: “No importa de dónde viene esa plata: lo importante es hacia dónde va”.  ¡Y Lara pasa estigmatizado a la Historia, por un millón de pesos!

¿Tiene algún ritual a necesita estar en algunas condiciones especiales, para sentarse a escribir?

 Sí.  Yo me levantó a las 2:00 AM. a escribir, hasta las 8:00 ó 10:00 AM.  Y para llevar ese ritmo, siempre me acuesto, a las 7:00 PM. y me duermo, como a las 7:15, cuando están mostrando la parte de las noticias malas, en el televisor.  Tengo 8 hijos y en mi rincón en el mundo, que es mi casa, en La Castellana (Bogotá), he tratado de generar un ecosistema sensible alrededor de la escritura, con pájaros, palomas, tortugas y mucha gente que me ama.  Ese es el entorno afectivo que me permite escribir.

¿Qué siente, al ver que “Lara” es uno de los libros más vendidos del país? ¿Alguna vez, pensó que se podía vivir de la Literatura?

 Esa pregunta está muy buena.  Me da mucha alegría.  Pienso que esta es una novela necesaria, porque para los jóvenes, la figura de Lara se ha ido perdiendo y para ellos, este libro recrea un contexto histórico y unos personajes que fueron muy importantes, en un momento.